Corto Experimental / Introduccion y Bases

En terminos generales trabajare una idea basada en uno de los cortometrajes experimentales tratados en la materia, mas especificamente en el "L'Etoile de Mer" de Man Ray (Tambien presente en el Blog) pero con algunas modificaciones personales para asi poder buscar un punto de vista mas autentico. El primero punto de diferencia sera que en vez de utilizar una poesia utilizare un cuento bastante corto de Alejandro Dolina que me paresio interesante para retratar. La idea es trabajar la relacion con la Vanguardia Surrealista visualmente y la continuacion del texto del cuento en conexion con las imagenes buscadas. Tambien abra una segunda experimentacion relacionada a la vanguardia expresionista pero del cine (Me tome la libertad de hacerlo puesto que ya lo relacionare con una vanguardia artistica plastica con el surrealismo).

El "cuento" elegido: "El duelo o la refutacion del horoscopo".

" Los dos hombres nacen el mismo día, a la misma hora. Sus vidas no se cruzan hasta que son enamorados por la misma mujer. Entonces se encuentran y pelean por ella. Uno de ellos obtiene la victoria y el amor. Al otro le corresponde el dolor, la humillación y quizá la muerte. Los astrólogos han previsto ese día el mismo horóscopo para los dos. Tal vez son erróneos los vaticinios. O tal vez se equivoca uno al pensar que el amor y la muerte son destinos distintos."

Alejandro Dolina

¿Por que este texto?

El texto a mi parecer retrata con una relacion simple un echo muy profundo y en el que quizas yo creo tambien. El mismo relaciona lo razional con lo filosofico y genera una cierta confusion entre lo que seria el primer pensamiento basico de "El amor y la muerte son cosas diferentes" y lo que el autor propone con "tal vez no son cosas distintas" dando un pie muy interesante a trabajarlo desde algo mas profundo que el conciente. ¿Como explicas que dos cosas que son diferentes puedan ser lo mismo?, mediante el subconsiente y los nexos que hace uno entre ambas situaciones, pues es eso lo que me gustaria trabajar. Fuera de estos detalles Alejandro Dolina es una persona muy admirada personalmente y me resulta una motivacion e inspiracion aparte trabajar en base a su obra.

Sobre Alejandro Dolina:

Alejandro Ricardo Dolina (Baigorrita, partido de General Viamonte, provincia de Buenos Aires, 20 de mayo de 19441 2 ) es un escritor, músico, conductor de radio y de televisión y actor argentino. Realizó estudios de Derecho, Música, Letras e Historia. Dolina nació en Morse cerca de Baigorrita en la provincia de Buenos Aires, y pasó su primera infancia en la localidad bonaerense de Caseros. Su madre era maestra y se apellidaba Colombo. Estudió música y literatura desde la juventud. Aunque siempre ha evitado comentarios sobre su vida privada, a menudo comparte anécdotas relativas a su juventud en compañía de músicos y juerguistas profesionales. Tuvo diversos empleos. Se sabe que fue operario de ENTEL y estudiante de Derecho. Cuando tenía 22 años, había abandonado la carrera de Derecho y estaba desempleado. En una fiesta, conoció a Manuel Evequoz, quien interesado por la fina inteligencia y el humor de Dolina, trabó amistad y le consiguió trabajo en una agencia publicitaria. Esto supuso su introducción en los medios de comunicación y el descubrimiento de su vocación. Dolina fue un gran amigo de Evequoz y en él inspiró su personaje de Manuel Mandeb. Evequoz pertenecía a Montoneros y desapareció durante la dictadura de 1976. El personaje fue creado mientras Evequoz vivía. No obstante, sus textos serían publicados en la década siguiente. Desde su juventud fue aficionado al tango, a la filosofía y la literatura. La mujer tiene un rol fundamental en su discurso, y aún en sus motivaciones, cuando afirma que «todo lo que hago lo hago para levantar minas». Esa cita es errónemente atribuida a Dolina, pero en verdad pertenece al humorista Caloi, que lo puso en boca del personaje Alexis Dolinades, inspirado en él. Dolina retoma esta afirmación en su obra Lo que me costó el amor de Laura (1998): «Se ha dicho que el hombre hace todo lo que hace con el único fin de enamorar mujeres». A principios de la década de 1970, Dolina inició su carrera en publicidad y escribió artículos para Satiricón, una revista que, por medio del humor, comentaba temas de la política, sociedad y estilo de vida del momento. Durante este período trabajó con Carlos Trillo, quien también se dedicaba a la publicidad y se convertiría luego en un exitoso guionista de historietas. En 1978, después de que la revista Satiricón fuese clausurada por la Junta Militar que gobernaba el país, Dolina comenzó a escribir para la revista Humor. Durante esos años, Dolina se dedicó a escribir sobre el honor, el amor, la amistad, y hasta creó cierta mitología centrada en personajes como el Ángel Gris de Flores, el escritor ficticio Manuel Mandeb y otros. Esas historias fueron publicadas en el libro Crónicas del Ángel Gris en 1987 y más tarde transformadas en un musical. Estos personajes aparecerían en todos sus libros posteriores. En 1975 hizo sus primeras participaciones radiales en Mañanitas Nocturnas, programa de Carlos Ulanovsky y Mario Mactas, por Radio Argentina. Intepretaba a un periodista llamado Gómez. Allí apareció por primera vez el Sordo Gancé, músico improvisado, presente hasta hoy en las emisiones de La venganza será terrible. El 2 de abril de 1985, Dolina debutó en radio al conducir un programa que se emitía por Radio El Mundo, Demasiado tarde para lágrimas, junto a Adolfo Castelo. Bajo el mismo nombre, el programa se trasladó en 1989 a Radio Rivadavia y, brevemente durante 1991 (apenas un mes) a LRA Radio Nacional. Luego pasó a la radio Viva FM, cambiando su nombre por El ombligo del mundo. Durante 1993 continuó en FM Tango, bautizado, por motivos contractuales como La venganza será terrible, llegando a Radio Continental (1994-2000 y 2002-2006), y Radio Del Plata, donde se transmitió solamente durante 2001 mientras, a la misma hora, Radio Continental emitía programas grabados de temporadas anteriores. A finales de 2006, el programa se trasladó a Radio 10, donde permanecería hasta fines de 2009. Desde febrero de 2010 a diciembre de 2011 se emitió por LRA Radio Nacional, con Patricio Barton todas las noches, y Gabriel Schultz y Jorge Dorio, en forma alternada. A partir de enero de 2012, el programa se emitirá, ya sin Schultz, por Radio del Plata en dúplex con 360 TV. Por su trabajo en este programa, Dolina ganó, en 1991, el Premio Konex al mejor conductor. Su programa de radio es líder en su franja horaria desde el primer año de emisiones, con un encendido superior al 50% de los receptores. Considerado ya un clásico de la radiofonía del Río de la Plata, cuando sale de Buenos Aires llena todos los auditorios donde se presenta. Una de las últimas se llevó a cabo en el ex cine de Burzaco, donde la gente del partido de Almirante Brown y de los partidos aledaños lleno el recinto y a la finalización del evento, lo ovacionó de pie. Según dice el mismo Dolina «es extraño cómo se sostiene una audiencia numéricamente tan grande en un país donde se supone que no se lee, cuando para entender mi programa al menos hay que haber ojeado dos libros».[cita requerida] Su labor diaria es tanto una invitación a la historia y la literatura como al surrealismo. Logra hacer prosa tanto de un fragmento de la Odisea como de un decálogo de consejos para quitar mejor las manchas de la ropa. Su capacidad de improvisación como narrador, actor y músico asombra día a día. Luego de Crónicas del Ángel Gris (1987), su libro más exitoso hasta el momento, publicó El libro del Fantasma (1999), Bar del Infierno (2005) (colecciones de cuentos) y su primera novela, Cartas marcadas (2012). Aborda temas históricos, filosóficos y costumbristas en torno a los Hombres Sensibles de Flores, sus personajes recurrentes. De clara influencia borgeana, alterna la literatura fantástica (historias de ángeles, demonios, metamorfosis y milagros), el ensayo («Bovarismo descendente» en El libro...; «El otro infierno» en El bar..., entre otros) y el relato histórico («Elisa Brown», «Saint Germain», etc.).

Música. Dolina es cantante y compositor. En sus programas de radio y televisión siempre incluyó segmentos musicales. En 1990 adaptó las Crónicas y presentó la comedia musical El barrio del Ángel Gris. Recibió por ella el premio Argentores. En 1998, grabó su opereta Lo que me costó el amor de Laura junto a Mercedes Sosa, Sandro, Joan Manuel Serrat y Ernesto Sabato, entre otros. En 2002, adaptó algunos de sus viejos radioteatros y grabó Radiocine. En 2004 editó el CD Tangos del Bar del Infierno.

Frame del Remake de "Rumble Fish"

The Starfish // L'Etoile de Mer (1928,Man Ray)

Poema de Robert Desnos:

Après tout
Si les fleurs étaient en verre
Belle, belle comme une fleur en verre
Belle comme une fleur de chair
Vous ne rêvez pas!
Belle comme une fleur de feu
Les murs de la Santé
Qu'elle « était » belle
Qu'elle « est » belle.

Sobre el cortometraje:

Se trata de un cortometraje de 16 minutos dirigido por Man Ray, estrenado en 1928. Este filme esta basado en un escrito de Robert Desmos y cuenta con la actuacion de Alice Prin y André de la Rivière. El mismo esta grabado fuera de foco y con algunas gelatinas para interrumpir la vision. Ah sido encasillado en el "surrealismo" y se relaciona con un cambio vanguardista de la epoca mostrando una poesia a travez de un audiovisual.

Sobre Man Ray:

Man Ray empieza a cantar a la edad de cinco años y dos años después se traslada a Brooklyn con su familia, donde va a la escuela. Recibe una beca para estudiar Arquitectura y la rechaza al igual que la idea de una educación académica. Fue bailarín en el Odeón. En Nueva York trabaja como grabador y en una agencia de publicidad, a la vez que asiste a las clases nocturnas de la National Academy of Design. Sus primeros contactos con la vanguardia neoyorquina se producen en sus visitas a la galería de Alfred Stieglitz y en las tertulias de los Arensberg. En 1908 se casa con Adon Lacroix, una poeta belga. Su primera exposición individual tiene lugar en la Daniel Gallery de Nueva York en 1915. Funda, junto a Marcel Duchamp y Francis Picabia, el Dadá neoyorquino. En 1918 trabaja con aerógrafos sobre papel fotográfico y en 1920, con K. Dreier y M. Duchamp, funda la Société Anonyme, una compañía desde la cual gestionan todo tipo de actividades de vanguardia (exposiciones, publicaciones, instalaciones, películas, conferencias, etc.). Diez años después se instala en París hasta 1940, y allí centraliza el Dadá parisino. Ante la imposibilidad de vender su obra, Man Ray vuelve a la fotografía. Sus primeras obras experimentales son los Rayographs de 1921, imágenes fotográficas sacadas sin cámara (imágenes abstractas obtenidas con objetos expuestos sobre un papel sensible a la luz y luego revelado). Hace también retratos, de hecho se convierte en fotógrafo retratista de personalidades de la cultura. Cuando el surrealismo se separa del dadá en 1924, Ray es uno de sus fundadores y está incluido en la primera exposición surrealista en la galería Pierre de París en 1925. Realiza esculturas surrealistas siguiendo el modelo del arte encontrado creado por Marcel Duchamp, como Object to dead be Destroyed (Objeto para ser destruido) de 1923; Man Ray añadió a un metrónomo normal, de 26 cm de altura, la fotografía de un ojo en la aguja. Nueve años después Man Ray es abandonado por su pareja, Lee Miller, a consecuencia de lo cual Man Ray sustituyó el ojo de alguien desconocido por el de su ex amante, y cambió el título del ready-made por el de Objeto de destrucción. En 1957, un grupo de estudiantes destruyeron, en efecto, el metrónomo, pero Man Ray lo reconstruyó en 1963, y lo tituló definitivamente Objeto indestructible, dándole a la obra un giro conceptual. En el Museo Reina Sofía se encuentra una reproducción a escala gigante de esta obra conservada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Inspirado por su modelo y amante Alice Prin, conocida como Kiki de Montparnasse, hace Le Violon d'Ingres (1924). En los años treinta realiza la serie de las solarizaciones, negativos fotográficos expuestos a la luz, y sigue pintando en un estilo surrealista; publica varios volúmenes de fotografías y rayógrafos. Hacia finales de los años veinte comienza a realizar películas de vanguardia, como la Estrella de mar (1927). En 1936 su obra está presente en la exposición Arte Fantástico, Dadá y Surrealismo del Museo de Arte Moderno de Nueva York. En 1940, escapando de la ocupación nazi de París, se instala en Hollywood y en Nueva York, regresando a Francia en el año 1951. Durante su estancia en California se gana la vida enseñando como profesor. En 1946 se casa con Juliette Browner en una doble boda junto con la pareja Max Ernst - Dorothea Tanning.1 La fértil producción de Ray elude categorizaciones netas y refleja su ágil y humorística sensibilidad. Entre pinturas y fotografías hay que incluir películas, objetos, collages, obra gráfica, dibujos, diseño publicitario y moda. Como pionero de Dadá y Surrealismo su aproximación se caracteriza por lo irracional y lo incongruente, provocando erotismo y escándalo. "La búsqueda de la libertad y el placer; eso ocupa todo mi arte", dirá. En 1963 publica su Autobiografía; antes de morir, el Metropolitan Museum de Nueva York le dedica una retrospectiva a su obra fotográfica (1973). Muere el 18 de noviembre de 1976, en París. Sus restos descansan en el Cementerio de Montparnasse.

Preguntas sobre el texto de Krakauer

1_ ¿Que argumentaban los que estaban en contra del cine de argumento?

2_  ¿Que caracteristicas tenian las "sinfonias visuales" en cuanto a la organisacion?

3_ ¿Cual es la relacion entre surrealismo y abstraccion?

4_  ¿Cual es la diferencia fundamental entre los dos tipos principales de films?

Vanguardia artistica: Expresionismo

Introducción

El siglo XX llegó acompañado de un gran número de inventos en el ámbito técnico e industrial así como de nuevos conocimientos decisivos en las ciencias humanísticas y naturales. La teoría de la relatividad de Einstein, el psicoanálisis de Freud, el descubrimiento de los rayos x o bien la primera fisión nuclear, obligaron al hombre a pensar de una forma diferente, más abstracta. Los nuevos conocimientos pusieron de manifiesto que detrás de la realidad se esconde mucho más de lo que puede percibirse mediante el sentido de la vista (una clara ruptura con los preceptos impresionistas)
Esta situación se acentuó a causa de los cambios que se produjeron en la propia percepción de los sentidos, puesto que la invención del automóvil, del telégrafo, del avión y de muchas otras cosas, dieron a la rapidez y al tiempo una nueva dimensión que requería de percepciones mucho más aceleradas.
Sin embargo, todos estos cambios no fueron aceptados con tanta euforia por la joven generación de artistas como en su día lo hicieron los impresionistas. La cara oculta de la modernización (alienación, aislamiento y masificación) quedó al alcance de la vista, sobre todo en las metrópolis. Los artistas, en su función de apasionados reformadores del mundo que deseaban derrocar el orden establecido, buscaban "un arte nuevo para un mundo nuevo". Cuadros cargados de emoción debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano...

Influencias del expresionismo

Los movimientos expresionistas fueron desarrollados principalmente en Alemania, un país socialmente desazonado en ese entonces. De innumerables ramificaciones y matices, tomaron influencias de la pintura de los post-impresionistas Vincent Van Gogh y Paul Gauguin, cargada de sentimientos y concepciones en su utilización expresiva del color y la gestualidad del trazo.
Otro grupo de gran influencia para los expresionistas es el simbolismo, que se extiende entre 1880 y 1900. No se desarrolla mediante un estilo unitario, pero puede definirse como un búsqueda en la cual el artista, limitando una pintura objetiva, concreta los sentimientos, los estados del alma, los miedos subjetivos, las fantasías y los sueños.
Las obras de James Ensor y Edvard Munch muestran, con un idioma simbólico expresivo pasado por encima de la materialidad, relaciones místicas, religiosas o psicológicas. Ensor, mediante la utilización de colores incandescentes, pinta desfiles fantasmales de enmascarados y de personajes caricaturescos; recreando la oposición hostil del individuo y la masa. La máscara, el leitmotiv de toda la obra de Ensor se convierte en la expresión de lo amenazador y desconocido.
El expresionismo en la obra del noruego Munch, se evidencia en sus representaciones del miedo, la desesperación, la sexualidad atormentada, los celos y la morbosidad. Todos estos son temas que Munch representó para "liberarse a sí mismo de los demonios". Aunque el grito sea la expresión pictórica de un sentimiento de miedo personal mientras paseaba con un amigo, Munch logra expresar en este cuadro el desfallecimiento del hombre ante una realidad cada vez más compleja y confusa.
Los expresionistas también encontraron la fuerza expresiva que buscaban en el arte de otras culturas. Las esculturas y máscaras de África y Oceanía, de clara descendencia primitivista, representaron para los artistas europeos una valiosa fuente de inspiración.

El movimiento expresionista Die Brücke (El Puente)

"Con la fe puesta en el desarrollo y en una nueva generación de creadores y consumidores, hacemos un llamamiento a la juventud, y como juventud portadora del futuro, queremos procurarnos la libertad de vivir y actuar frente a las fuerzas tradicionales. Todo aquél que refleje en sus obras espontánea y verídicamente toda su fuerza creadora, es de los nuestros".
Manifiesto de fundación del movimiento artístico Die Brücke, 1905
A los cuatro fundadores del movimiento expresionista Die Brücke, Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff y Fritz Bleyl se unieron, en los 8 años de su trabajo (1905-1913), Max Pechstein, Otto Müller y, durante unos meses, Emil Nolde.
El grupo se caracteriza por emplear un vocabulario estético muy simplificado, con pocas formas que han sido reducidas a lo esencial, cuerpos deformados y espacios disueltos sin perspectiva. Los colores, brillantes y saturados, desprendidos del colorido local y pintados superficialmente con un pincel grueso, se encuentran incrustados dentro de un fuerte contorno. Esto concede a los cuadros un carácter vigoroso, como si hubieran sido tallados en madera. Concentrados intensamente en la intensidad del efecto, solían trabajar con contrastes complementarios, mediante los que los colores se reforzaban mutuamente en su luminosidad. Su apasionado colorido se correspondía con el deseo de conceder al color una nueva relevancia emocional y composicional bajo aspectos estéticos únicamente internos, creando obras sólo a base de colores como los fauvistas.
Mediante la deformación con la que reforzaban la expresión, querían representar la "realidad real", es decir, la esencia de las cosas, lo que no puede verse, sino sólo sentirse. En 1911, el galerista Herwarth Walden dio a esta concepción artística el nombre de expresionismo, derivación del francés expression. Con este término recogió en un principio todas las representaciones artísticas que se alejaron de la representación fiel de la realidad, así como también el cubismo y el futurismo.
Otro artista alemán, Max Beckmann, forjó su obra en soledad. Tras la Primera Guerra Mundial, que lo impresionó vivamente, encontró su modelo de configuración expresionista, caracterizada por la forma violenta, ruda y despreocupada en que representaba la realidad. Engastaba colores claros y brillantes con líneas de contorno negras, duras y afiladas para alzar la superficialidad carente de perspectiva de las figuras, a menudo puestas en el cuadro de una forma densa. Sus obras son alegorías modernas de la existencia del ser humano con sus entrelazados emocionales y sus traumas colectivos e individuales.

Los expresionistas de Der Blaue Reiter (El jinete azul)

El grupo Der Blaue Reiter fue formado en Munich en 1911. Recibió una importante aportación internacional, sobre todo del cubismo y el futurismo, ya que entre sus filas figuraban numerosos extranjeros. Entre 1911 y 1914 pertenecieron a él Franz Marc y Vasily Kandinsky, y otros artistas tales como Paul Klee, Alexei Yavlensky, Marianne Werefkin, August Macke y Gabriele Münter.
A diferencia de la ruda forma de pintar de los artistas de Die Brücke, el arte de Der Blaue Reiter es más exquisito, subjetivo y espiritual. Aunque la formulación artística de ambos grupos era muy diferente, los unía la convicción de mirar más allá de lo superficial. El arte ya no debía "reproducir lo visible, sino hacer visible" tal y como lo expresó Paul Klee.
Los pintores de Der Blaue Reiter, sobre todo Marc y Kandinsky, se interesaron principalmente por la transformación pictórica de los sentimientos. A los artistas de El Jinete Azul les importaba más el cómo de la representación que el qué. Incluso en aquellos cuadros en los que todavía se podían apreciar vagas reminiscencias de las cosas mundanas, el efecto no parte del objeto, sino de la composición. Lo más importante eran las formas y los colores. Los artistas concedían a sus cuadros ritmo y melodía mediante los tensos contrastes entre las líneas fuertes y suaves, formas abiertas y cerradas y colores metálicos y aterciopelados.
Los artistas de Der Blaue Reiter se imaginaban la transmisión de los sentimientos como una cadena entre el artista y el espectador, al principio de la cual se encontraba "la sensibilización del alma del artista"; emotividad a la cual el artista da forma en su obra. A su vez, el cuadro causa en quien lo observa determinados sentimientos, con lo cual se convierte en el agente responsable de "la sensibilización del alma del espectador". Entonces, la asociación del significado y la concepción del sentido de cada cuadro están en manos del propio espectador.
La colaboración critica del espectador a la hora de conceder un significado a una obra y la silenciosa comunicación entre el cuadro y quien lo contempla adquiría cada vez más importancia a lo largo de todo el arte del siglo XX.

Algunos ejemplos

Van Gogh, Vincent
"La noche estrellada", 1889
(30/03/1853 Groot Zundert - 29/07/1890 Auverssur-Oise)
Artista noruego pionero del expresionismo cuyos cuadros describen los sentimientos básicos humanos, como el miedo, el horror y la muerte.



Gauguin, Paul
"We hail thee Mary", 1891)
(07/06/1848 París - 08/05/1903 Autona auf Hiva Oa)
Pintor post-impresionista y simbolista que emigró a los mares del sur en busca de lo arcaico y lo espontáneo. De gran influencia en los fauvistas, por su trabajo con el color y la línea.

Ensor, James
"La intriga"
(13/04/1860 Ostende - 19/11/1949 Ostende)
Pintor de escenas macabras y sarcásticas llenas de simbolismo que tematizan la soledad del hombre.


Munch, Edvard
"El grito"
(12/12/1863 Loten - 23/01/1944 Ekeley)
Artista noruego pionero del expresionismo cuyos cuadros describen los sentimientos básicos humanos, como el miedo, el horror y la muerte.

Schmidt-Rottluff, Karl
"Descanso en el atelier",1910
(01/12/1884 Rottluff - 10/08/1976 Berlín)
Cofundador del grupo artístico Die Brücke que empleó, tal y como en su día hizo Heckel, tonos brillantes rojos y verdes. Su motivo principal era el paisaje.

Müller, Otto "Drei Akte vor dem Spiegel", 1912
(16/10/1874 Liebau - 24/09/1930 Breslavia)
Pintor expresionista de personajes del ambiente gitano, el cual retrata con colores tenues.


Nolde, Emil
"Gente excitada", 1913
(Emil Hansen, 07/08/1867 Nolde - 15/04/1956 Seebüll)
Importante exponente del expresionismo alemán, que pintó acuarelas, óleos y tablas con un pincel muy apasionado, resplandeciente y rico en contrastes.


Beckmann, Max
"Cristo y una mujer descubiertos en adulterio", 1917
(12/02/1884 Leipzig - 27/12/1950 Nueva York)
Pintó cuadros enigmáticos y profundos sobre la existencia del ser humano, en un estilo personal y de características expresionistas.

Kirchner, Ernst Ludwing
"Dos mujeres en la calle", 1914
(6/5/1880 Aschaffenburg - 15/06/1938 Davos)
Cofundador de Die Brücke y representante afamado del expresionismo alemán que representó un estilo nervioso y espinoso la vida de la gran ciudad alemana.



Heckel, Erich
"Niña parada", 1910
(31/07/1883 Döbeln - 27/01/1970 Hemmenhofen)
Es uno de los expresionistas más importantes de Alemania y cofundador del grupo artístico Die Brücke. Utiliza principalmente, la forma y el color como medios de expresión.

El expresionismo aleman en el Cine

Durante la primera etapa del cine, antes del sonoro, las cinematografías más destacables son la alemana y la soviética. En Alemania destaca el movimiento expresionista, desarrollado durante la República de Weimar, una etapa de depresión económica, moral y social, tras la derrota sufrida por el país en la Primera Guerra Mundial. Esta situación caótica fue el contexto donde se desarrolló el Expresionismo alemán, un cine que reflejaba el estado del alma y la psicología de los alemanes, y enlazaba con las teorías psicoanalíticas de Freud. Las películas del Expresionismo tienen un marcado tono metafísico, reivindicando claramente lo gótico y lo romántico. El primer cine alemán estaba sustentado por la productora UFA, creada por el gobierno alemán para contrarrestar la influencia en Alemania del cine norteamericano y para intentar hacer frente a la poderosa industria yanqui. El Expresionismo alemán ejerció una notable influencia en la cinematografía norteamericana de los años treinta y cuarenta, cuando muchos de sus cultivadores (en su mayoría, judíos) se vieron obligados a exiliarse fuera de su país al ascender Hitler al poder en 1933. Muchos de estos directores, como Fritz Lang, B. Wilder, o F. Zinnemann acaban en Hollywood haciendo cine negro, al que incorporan una herencia cultural propia muy concreta. El Expresionismo alemán, que se convierte así en la referencia estética principal del cine negro y de terror norteamericano. Fue un movimiento cinematográfico de gran trascendencia y constituyó por sí sólo la edad dorada del cine alemán. Una de las películas más características de esta tendencia fue El Gabinete del Doctor Caligari (1919) de R. Wienne.

Mise en Scene, Mise en Jeu y Mise en Geste

Sintesis sobre el texto de David Bordwell sobre "El cine de Eisenstein". Capitulo 4: Estetica y practica: pedagogía. Desde pagina 171 (desde el ultimo parrafo) hasta pagina 174 (hasta el segundo parrafo inclusive.

El texto comienza hablando particularmente de la Mise en Scene (Puesta en Escena *1) utilizada por Eisenstein como se utilizaba en el teatro: Realizando la escena completa dentro de una misma locasion. Segun el la puesta en escena utiliza todas las tecnicas teatrales para poder funcionar: escenografia, iluminacion, vestuario, movimiento de los personajes, etc. Mediante esta herramienta se busca expresar visualmente el caracter de la escena. Es decir, entrelazar las acciones dandoles sentido mediante diversas tecnicas buscando que todo lo que suceda dentro del cuadro funcione para una armonia que es la escena en si. Trata de resaltar los detalles importantes de la misma y busca dentro de una infinidad de posibilidades lo adecuado para darle fuerza y unificar la produccion tematicamente.

Esto debe ser apoyado siempre por la interpretacion artistica. Einsestein vuelve a señalar la importancia del "substexto psicologico" en la actuacion pero esto se complementa no solo con la actuacion sino con toda la puesta en escena en general. Esta actuacion tiene dos partes cuando se trata dentro de la "Mise en Scene", estas son: Mise en Jeu (Puesta en Actuacion) y Mise en Geste (Puesta en Gesto).

Por un lado "Mise en Jeu" hace referencia a la totalidad de la representacion que el actor hace sobre el personaje. Se tratan los motivantes consientes del personaje y sus caracteristicas como voz, comportamiento, expresion facial, etc. Por otro lado la "Mise en Geste" hace referencia a las acciones especificas realizadas por el actor para resaltar un momento especifico de la accion. Resaltan un aspecto basico dentro de la caracterisacion del personaje. Relaciona la forma de tratar la "Mise en Geste" de Einsestein con la "Biomecanica de Meyerhold (*2)"

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DATA EXTRA:

*1 - Mise-en-scène: Es una expresión usada en el teatro y mundo del cine para describir los aspectos de diseño de una producción. Ha sido llamado "magnífico término indeterminado" por la crítica del cine, pero es no debido a una carencia de definiciones. Mejor dicho, es porque el término tiene tantos sentidos diferentes que hay poco consenso sobre su definición. Proviniendo del teatro, el término francés mise en scène literalmente significa Puesta en escena. Cuando es aplicado al cine, mise en scène se refiere a todo lo que aparece ante la cámara y su arreglo – sets, elementos, actores, trajes, e iluminación, es la Escenografía. Mise en scène también incluye la colocación y el movimiento de actores en el set, que es llamado "blocking" (obstruyendo). Éstos son todas las áreas supervisadas por el director, y así, en créditos de película franceses, el título del director es literalmente "mise en scène." Esta corta definición de mise en scène no es compartida por todos los críticos. Para unos, esto se refiere a todos los elementos del estilo visual – es decir tanto elementos en el juego como los aspectos de la cámara. Para otros, como el crítico de película estadounidense Andrew Sarris, esto toma sentidos místicos relacionados con el tono emocional de una película.


*2 - Biomecanica de Meyerhold: Meyerhold exigía la racionalización de cada movimiento de los actores que se  ocupaban en el escenario de una tarea definida.Quería que sus gestos y los pliegues de su cuerpo tomaran un dibujo preciso. Si la forma es justa, decía, el fondo, las entonaciones y las emociones lo serán también, puesto que determinadas del cuerpo, con la condición de que el actor posea unos reflejos fácilmente excitables, es decir, que las tareas que le son propuestas desde el exterior sepa responder por medio de la sensación, el movimiento y la palabra. La interpretación del actor no es otra cosa que la coordinación de las manifestaciones de su excitabilidad. Por ejemplo: representando el miedo el actor no debe empezar por tener miedo (a vivirlo), pues echándose a correr: no debe, por un lado, ponerse a corre (reflejo) y no tener miedo después por que se ve correr. En lenguaje teatral de hoy día, esto significa:No es necesario vivir el mido sino expresarlo en escena por una acción física.

Perspectiva Invertida

PERSPECTIVA:

La perspectiva se define como el arte de representar los objetos en la forma y la disposición con que se aparecen a la vista. También, como el conjunto de objetos que se visualizan desde el punto de vista del espectador. Mediante esta técnica, los artistas proyectan la ilusión de un mundo tridimensional en una superficie de dos dimensiones. La perspectiva nos ayuda a crear una sensación de profundidad, de espacio que retrocede.

Las técnicas fundamentales utilizadas para obtener perspectivas son: controlar la variación entre los tamaños de los sujetos u objetos representados, superponiendo algunos de ellos, y colocando los que están pintados en el terreno que se representa, más abajo cuando están más cerca y más altos cuando están más lejos.La perspectiva, entonces, es un sistema que permite representar tres dimensiones sobre una superficie plana de dos dimensiones; por lo tanto, es una simulación de lo visible de la naturaleza que  permite figurar el efecto volumétrico de los objetos, colocados éstos, a su vez, en un ambiente de falsa profundidad.

El ojo estima la distancia en base a la disminución de tamaño de los objetos y al ángulo de convergencia de las líneas (perspectiva lineal). Del objetivo y de la distancia dependerá el que la imagen tenga más o menos profundidad. La sensación de profundidad es puramente ilusoria, pero forma parte una técnica de composición muy importante. La perspectiva también es la estructura sobre la cual se apoya la forma de visión del hombre moderno, a partir del Renacimiento, que es cuando se instaura definitivamente en la plástica.

PERSPECTIVA INVERTIDA:

Perspectiva invertida es una perspectiva cónica pero en la que los objetos aumentan su tamaño según se alejan del espectador, para lo que el punto de fuga se supone sobre el ojo del observador. Esta perspectiva consiste en que el punto de huida, entre el cono óptico y el objeto, no se sitúa atrás del cuadro, sino adelante, en el espectador. Los objetos no se ubican en forma proporcional a la distancia; no hay ilusión de profundidad.Este tipo de perspectiva fue muy utilizado por los pintores de iconos religiosos rusos ortodoxos. Muchas veces la utilización de la perspectiva invertida también aportaba ventajas: permitía, por ejemplo, desarrollar las composiciones para hacer ver los detalles o las escenas “cubiertas” por ella; desaparece el espacio tridimensional y la profundidad, todo pertenece al primer plano. La utilización frecuente, aunque no en forma exclusiva, de la perspectiva invertida en el arte del ícono desorienta al hombre de cultura europea moderna cuyos ojos están acostumbrados a la perspectiva lineal reintroducida en el arte entre los siglos XIII y XIV.